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potpourri mensile creativo - rivista di fotografia arte e cultura - n°06 settembre creativo 2009
Di Flavio Vicari
Un particolare ringraziamento ai maestri Paolo Tarantini fotografo e Alessandro Palacino musicista, per i loro preziosi contributi. Nonostante l'esodo estivo, anche in agosto la redazione ha lavorato come sempre, con l'impegno di dare il massimo. Da questo mese Serena Lao cura la presentazione del Potshot, con la sua nota passione e competenza artistica. Sempre nuove firme e nuovi contenuti per i nostri lettori, sempre ruotando insieme attorno al pianeta della fotografia. Ma il centro di gravità di questa rivista, è sempre la galleria fotografica collettiva dei nostri lettori di tutto il mondo. Presto la versione stampata.
A special thanks to the teachers Paolo Tarantini photographer and Alessandro Palacino musician, for their valuable contributions. Despite the summer season holiday, even in August the editorial has worked as usual, with the commitment to do the best. From this month, Serena Lao takes care of the presentation of the Potshot, with its well-known artistic passion and competence. Always new signatures and new contents for our readers, always turning together around the planet of the photography. But the center of gravity of this magazine, is always the collective photo gallery of our readers around the world. Soon the printed version.
Scrivere con la luce, di Paolo Tarantini
Mi chiedo se la fotografia debba dire qualcosa. Mi capita di muovermi alla ricerca di uno scatto in cui non dire nulla, in cui l’immagine abbia la forza per essere interpretata da chi la osserva, per trovare un senso che non sospettavo. E’ meglio non dire niente e lasciare scoprire tutto a chi guarda. Quando non si dice niente, si dice una moltitudine di cose. Il fotografo non vuole dire qualcosa, ma rende possibile un momentaneo accesso alla serenità. Il contenuto dell’immagine sta nella mente di chi guarda, piuttosto che nel soggetto raffigurato, è lo sguardo di chi osserva a donargli nuova vita. Scrivere con la luce, o fotografare, è come aprire una finestra su un paesaggio, o su un volto, o su un’anima. Un istante, in cui il tempo di una malinconia o di una speranza si fissa. Lo scatto permette di renderlo costante, e ci mette in comunicazione con quell’attimo. Attraverso la serena e profonda lettura contemplativa, l’immagine fissa ha la virtù di rivelarci cose che spesso ci sfuggono nel presente in movimento. Ci sono dei momenti in cui vorrei poter guardare dentro il mirino della macchina fotografica in bianco e nero. La fotografia a colori mi allontana dalla realtà, perché la riproduce in modo troppo fedele, simile a quello con cui gli occhi sono abituati a guardare il mondo in movimento. Il bianco e nero rende tutto più fisso e fuori dal tempo, da guardare con attenzione, da scavarci dentro e interpretare.
Writing with the ligth.
I wonder if the photography should say something. It happens to me to move in search of a shooting in which say nothing, in which the image has the power to be interpreted by the person who observes, to find a meaning that I never imagined. It is better to say nothing and leave everything to discover to beholder. The photographer does not want to say something, but allows access to a momentary serenity. The content of the image lies in the mind of the observer, instead of in the depicted subject, is the gaze of the viewer wich gives it new life. Writing with light, or photographing, is like opening a window on a landscape, or a face, or a soul. A moment in which the time of sadness or hope are fixed. Through the calm and deep contemplative reading, the still image has the power to reveal things that often escape us in the movie of the life. There are times when I would look into the viewfinder of the camera in black and white. The color photograph away me from reality, because it reproduces so similar as the eyes are accustomed to see the world in motion. The black and white makes things more fixed and timeless, to watch carefully, to dig in and interpret.
Malati di tecnologia. La perdita del senso critico e del fattore creativo, di Anna Fici
Le nuove tecnologie dell'informazione e della comunicazione, sono entrate gradualmente ma prepotentemente in tutti gli ambiti della nostra vita, sia ludici che lavorativi, e l'ottimismo tecnologico ci ha indotti a mettere da parte ogni residua resistenza critica. Alcune tecnologie ci coinvolgono di più, altre meno, ma di fronte ad esse non pensiamo, nella migliore delle ipotesi le usiamo meccanicamente, nei casi peggiori le subiamo passivamente. Una maggiore consapevolezza critica ci consentirebbe di essere più attivi e creativi. Il noto linguista Ferdinand De Saussure introdusse, a proposito del linguaggio, una distinzione concettuale molto importante tra “la langue et la parole”. La lingua costituisce il codice ufficiale dell’idioma, la parola è invece la lingua parlata dai parlanti, i quali spontaneamente creano neologismi e modi di dire che finiscono per essere adottati ufficialmente. Quindi la parola è lingua viva, in continua evoluzione grazie alla creatività di chi la usa. Troppo spesso invece, nel rapportarci alle nuove tecnologie, ci limitiamo ad un uso pappagallesco dei linguaggi e delle tecniche, che ci svuota del fattore creativo e del senso critico. Anche la fotografia soffre di questo fenomeno: fotocamere super tecnologiche usate in modalità automatiche (ritratto, panorama, macro... e così via). Questo riduce il nostro margine di errore, ma anche di creatività. La fotografia tradizionale e la camera oscura, con esiti in parte a sorpresa, inducevano a sperimentare: tempi e diaframmi, acidi e diluizioni, attrezzi auto-costruiti, soluzioni su misura di ogni genere, con cui il fotografo si metteva alla prova e parlava creativamente la lingua fotografia. L'aspettativa tecnologica peraltro illusoria, di una semplificazione del lavoro fotografico, pone oggi la fotografia di fronte al rischio di perdere la propria funzione di linguaggio vivo.
Sick of technology. The loss of the critical and creative factor.
New information and communication technologies, gradually but powerfully came in all areas of our live, both leisure and work, and the technological optimism has led us to put aside any resistance and criticism. Some technologies involve us more than others, but in front of them we do not think, at best we use it mechanically, in the worst cases we suffer it passively. Greater critical awareness will allow us to be more active and creative. The renowned linguist Ferdinand de Saussure introduced, about the language, a very important conceptual distinction between language and word. The language is the official code, the word is instead the language spoken by speakers, who spontaneously create new words and idioms, which turn out to be formally adopted. So the word is a living language, is in constant evolution thanks to the creativity of its users. Instead, too often, when we deal with new technology, we simply use languages and techniques mechanically, as a parrot, which drains us of the creative and critical sense. Even the photography suffers of this phenomenon: high-tech cameras used in automatic mode (portrait, landscape, macro ... and so on), this reduces our margin of error, but also of creativity. Traditional photography and darkroom, led to experiment: times and diaphragms, acids and dilutions, self-built equipments, customized solutions of any kind, with which the photographer put himself at trial and spoke the language of creative photography. The however illusory technological expectation, of simplification of photographic work, puts today the photografy face the risk of losing its function as a living language.
2009: Odissea nello spazio … e nel tempo. L’ultimo abitante, di Paolo Tarantini
Non ci sono indicazioni stradali per Roscigno Vecchia. M’inoltro nel Parco Nazionale del Cilento, in provincia di Salerno, e mi affido alla gestualità di un passante, che non parla italiano. Ad abitare il borgo è rimasto solo Giuseppe, mi aspetta in piedi, al centro della piazza. Ha una lunga e folta barba color cenere, un cappello alpino con pennacchio, e tira intense boccate dalla pipa. “Sono Giuseppe, la pro-loco, il sindaco, il dottore, il muratore, il custode, e la guida turistica di Roscigno”. Mi accoglie con queste parole, e m’invita ad approfittare della calda luce di fine giornata, perché mi avverte che l’indomani sarà brutto tempo. Prendo la macchina fotografica e mi lascio guidare per le desolate vie del borgo: la maggior parte delle case sono pericolanti, molte semi-crollate, alcune ridotte in cumuli di macerie. Camminiamo e Giuseppe sorride, si fa fotografare, parla, gioca con le parole. Mi parla di quel “furfante di Garibaldi” e dei garibaldini, che a suo dire avrebbero rovinato l’Italia e condannato il sud. Noto in silenzio la sua paradossale somiglianza col suo omonimo Garibaldi: stessa barba, stessa pipa, e stesso cappello, con tanto di tricolore ricamato. Gli chiedo del suo lavoro, e mostrandomi il libretto mi dice che ha sempre lavorato come manovale, ha costruito case, ma non abbastanza per avere in cambio la pensione. Poi mostrandomi due case mi dice: “Vedi, ho l’imbarazzo della scelta, posso stare un giorno in una casa e un giorno nell’altra”. Entriamo, la cucina è ben attrezzata, sul tavolo c’è un piatto di asparagi selvatici e un formaggio. “Questa mattina ho raccolto asparagi, e ne ho barattato una parte con del formaggio, con un pastore della zona”. Nella stanza adiacente c’è una brandina, in cui Giuseppe si distende chiudendo gli occhi per qualche minuto. Poi si alza, si cambia il cappello, e ridacchiando mi dice: “Ora ti presento la mia fidanzata”. Mi fa cenno di seguirlo, e dopo una strada sconnessa che costeggia il perimetro del paese, ci fermiamo presso un recinto in legno, dove ho l’onore di conoscere Clara, un’asinella molto socievole, che si unisce a noi nella passeggiata. Per le stradine cespugliose di Roscigno, mi allontano un po’ alla ricerca della giusta distanza da cui poterli fotografare. Giuseppe è completamente a suo agio, tanto che cerca intenzionalmente la posa, con fierezza, e con la disinvoltura di un attore. Ci sediamo davanti alla seconda delle sue case. Sul terrazzino sventola sfilacciata una bandiera americana. Mi offre un bicchiere di vino rosso, e brindiamo. Poi ci salutiamo, e ringraziamo le ore trascorse insieme. Rimango immobile, e scatto l’ultima foto mentre Giuseppe e Clara volgendomi le spalle si allontanano. Un pensiero mi sfiora la mente: ho visitato un altro spazio e un altro tempo. Fotocamera Canon 40D. Ottiche Canon: zoom 17-40 f4 L, e zoom 70-200 f2.8 L
2009: Odyssey in the space ... and time.The last inhabitant.
There are no signs for Roscigno Vecchia. I am forwarding into the National Park of Cilento, province of Salerno, and I entrust me to gestures of a passer who does not speak Italian. To inhabit the village is left alone Giuseppe, waiting for me standing at the center of the square. He has a long and thick ash-colored beard, a hat with Alpine plume, and he pulls puffs on his pipe. "I am Giuseppe, the mayor, the doctor, the builder, the caretaker, and guide of Roscigno. He welcomes me with these words, and invites me to take advantage of the warm light at the end of the day. I take the camera and I let me drive through the desolate streets of the village: most of the houses are at risk, many semi-collapsed, some reduced to piles of rubble. We walk and Joseph smiles, he allows me to be photographed, talking, playing with words. I ask him about his work, and he tell that he has always worked as a laborer, he built houses, but not enough to have a pension in return. Then, showing me two houses, he say: "See, I have the choice, I can stay one day in a house and one day in the other. " We enter, the kitchen is well equipped, on the table there is a plate of wild asparagus, and a cheese. "This morning I picked asparagus, and I bartered some of it with a cheese, with a pastor in the area". He change his hat, and tells me: "Now I present you my girlfriend". He beckons me to follow him, and after a rough road that runs along the perimeter of the country, we stop at a wooden fence, where I have the honor to know Clara, a donkey very sociable, who joins us in the walk. In the bush streets of Roscigno, I look for the right distance from which I can photograph. Joseph is completely at ease, so that intentionally seeks the laying, with pride and with the ease of an actor. We sit in front of the second of its houses. A frayed American flag waving on the balcony. He offers me a glass of red wine. Then we salute and appreciate the hours spent together. I remain motionless, and click the last frame while Joseph and Clara turn away. A thought has touched my mind: I have visited another time and another space. www.paolotarantini.com Canon 40D camera. Canon lenses: 17-40 f4 L zoom, and 70-200 f2.8 L zoom.
Cronache di guerra, di Attilio Albergoni
Palermo iniziò a subire bombardamenti sin dal 23 giugno del 1940. All’inizio gli abitanti pensavano che la guerra sarebbe terminata nel volgere di poco tempo, con la vittoria delle poderose forze dell’asse italo-tedesco, ma così non fu. Gli americani sbarcarono in Sicilia il 10 luglio 1943 sopra interminabili colonne di jeep, camion e carri armati, con le loro scatolette di cibo e le loro musiche festose, e la città subì urli di sirene e bombardamenti sino all’agosto del ’43. Sono poche ormai le persone ancora viventi che hanno vissuto quegli anni e che hanno voglia di raccontarli. Al suono della sirena che avvertiva l’arrivo dei bombardieri, tutti dovevano correre nei rifugi sotterranei e restare chiusi in quegli angusti spazi bui e maleodoranti sino a quando l’allarme non era cessato, salvo appena usciti ripiombare nel buio per un nuovo allarme. Chi restava in casa o per strada rischiava di morire sotto le bombe, ma anche nei rifugi a volte capitava di fare la stessa fine. In quei tre anni la città fu devastata: case ridotte a cumuli di macerie, palazzi sventrati con gli interni visibili nella porzione rimasta in piedi, molte strade coperte da macerie fino all’altezza dei primi piani delle case, e non fu mai possibile contare effettivamente i civili deceduti durante le incursioni. La popolazione superstite viveva al limite della sopravvivenza, per mancanza di cibo, di trasporti e progressivamente anche di acqua luce e gas. Anche le infezioni causate dalle gravi carenze igieniche mietevano vittime. Chi poteva si trasferiva con la famiglia nei piccoli comuni limitrofi, gli sfollati. Spesso abitavano più famiglie in un appartamento e ci si poteva ritenere fortunati. I prezzi degli affitti erano esosi, ed anche il cibo essenziale costava carissimo al mercato nero. C’era anche chi si arricchiva con la guerra. Al mattino la città si popolava, chi doveva andare a lavorare, chi aveva qualcosa di impellente da sbrigare. Gli sfollati arrivavano in città con i mezzi più disparati, dalla bicicletta al carretto e anche sui tetti dei treni, stracolmi e traboccanti di persone. Alla sera questa marea umana trasmigrava. In molti furono quelli che non trovarono più la propria casa, in una di queste visite mattutine o all’uscita dai rifugi antiaerei. Però quando i superstiti parlano di quei giorni, nei loro occhi si accende sempre quel lampo di orgoglio che dice: ”Io c’ero, e nonostante tutto io c’è l’ho fatta!” … la nostra arte di arrangiarsi, anche al limite della sopravvivenza.
Chronicles of war
Palermo began to suffer bombings since June 23 of ‘40. At first, people thought that the war would end in a short time, with the victory of the powerful German-Italian axis forces, but so did not. The Americans landed in Sicily July 10 of ’43, over endless columns of jeeps, trucks and tanks, with their cans of food and their festive music, and the city endured screams of sirens and air force raids until August of '43. There are a few people still alive who lived through those years, and who are willing to tell. At the sound of the siren, warning the arrival of the bombers, everybody had to run to underground shelters, and remain closed into those dark smelly and cramped spaces, until the alarm had not ceased. Who remained at home or on the street, was likely to die under the bombs, but also into the shelters sometimes happened to do the same fate. In those three years the city was devastated: homes reduced to piles of rubble, gutted buildings with visible interiors in the portion still standing, many roads covered with debris to the height of the first floor of the houses, and never was really possible to count the civilians died during the raids. The surviving population lived on the edge of survival, for lack of food, transport, water, electricity and gas. Also infections caused by the serious hygiene shortcomings were reaping victims. Who could he moved with his family in the small neighboring towns, the displaced. Often several families lived in an apartment. Rental prices were exorbitant, and even essential food was expensive to the black market. There were also people who became rich by war. In the morning the city was populated, who had to go to work, who had something urgent to do. The displaced people arrived in town by bicycle, cart, and also on the roofs of trains overflowing of people. In the evening this human tide transmigrated. Many were people who find their home destroyed, in one of these morning visits or exit from the shelters. But when the survivors speak of those days, in their eyes always lights a flash of pride that says, " I was there, and despite everything I saved !" ... our art to make do, even at limit of survival.
Il prezzo della follia nazi-fascista, di Luciano Vicari
Lo scantinato della Casa della Real Fotografia del cavaliere Giuseppe Incorpora, in via Cavour, era adibito ad archivio. Il 9 maggio 1943 conteneva circa 70.000 lastre. Erano il frutto di ottant’anni di lavoro di quattro generazioni d’illustri fotografi palermitani, fin dagli albori della fotografia e dell’unità d’Italia (dal 1860). Avevano ripreso i più importanti personaggi ed eventi di un secolo, dalla monarchia al fascismo. Un’epoca in cui Palermo fu centro d’interessi economici e culturali di livello europeo, l’epoca dei Florio, culminata con l’edificazione del glorioso Teatro Massimo Vittorio Emanuele, e d’innumerevoli palazzi e ville stile liberty. Il rinascimento siciliano, quando Palermo era frequentata dalle teste coronate di tutto il mondo. Un epoca in cui solo pochi professionisti possedevano la tecnica del processo fotografico. Un patrimonio inestimabile era custodito in quello scantinato. Per fermare la follia imperialista nazi-fascista, che aveva scatenato la seconda guerra mondiale, molte città italiane furono devastate dalle bombe degli alleati anglo-americani. Quel 9 maggio del ’43 toccò a Palermo, occupata dai tedeschi. I piloti dei bombardieri avevano l’ordine di risparmiare il Teatro Massimo, famoso ed amato nel mondo per la sua acustica perfetta, ma la Casa della Real Fotografia fu colpita: la loggia, le attrezzature, l’abitazione, il commercio, e le 70.000 lastre, … tutto distrutto. La gelatina delle lastre fotografiche fu sciolta dall’acqua, che allagò lo scantinato in seguito alla rottura delle tubazioni. Quell’archivio valeva più del Teatro Massimo: … qualunque edificio si può ricostruire, ma il copioso ed inestimabile patrimonio storico di quelle fotografie d’epoca no.
The price of the nazi-fascist madness.
The price of the nazi-fascist madness. The basement of the Royal House of Photography of Sir Giuseppe Incorpora, in Palermo, was used for archive. On 9 May 1943 contained about 70.000 photographic plates. Were the result of eighty years of work, by four generations of distinguished photographers from Palermo, since the very beginnings of photography, and of the unification of Italy (since 1860). They had taken the most important historical events and figures of a century. At a time when Palermo was a center of economic and cultural interests of European level, which culminated with the building of the famous Teatro Massimo. The Sicilian Renaissance, when Palermo was frequented by the crowned heads from all over the world. A time where only few professionals possess the technical process of photography. A priceless heritage was kept in that archive. To stop the imperialist nazi-fascist madness, who had unleashed World War II, many Italian cities were devastated by bombs of the Anglo-American allies. That 9 of May '43 it touched to Palermo, occupied by the Germans. The pilots of the bombers, had the order to save the Teatro Massimo, famous and loved around the world for its perfect acoustics, but the Royal House of Photography was struck: laboratories, equipment, housing, trade, and 70.000 photographic plates ... all destroyed. The gelatin of photographic plates was dissolved by the water, which flooded the basement following the bursting of pipes. That archive worth more than the Teatro Massimo: … any building can be rebuilt, but the copious and invaluable historical heritage of those vintage photographs not.
Vucciria mon amour, di Angelo Trapani
La Vucciria è il mercato storico più noto di Palermo. Forse non tutti sanno, che il nome deriva dal termine francese boucherie, che significa macelleria, luogo di macellazione e mercato delle carni. Il nucleo centrale del mercato è costituito da piazza Caracciolo, dove in epoca angioina (breve dominazione francese nel secolo XII), nacque la Bocceria, il mercato destinato al macello e alla vendita della carne in città. Subì poi un ampliamento ai vicoli circostanti nel 1454, divenendo non solo luogo di macello ma "piazza di grascia", cioè area di vendita di generi alimentari vari. Col tempo il nome si è trasformato prima in Bucceria ed infine in Vucciria. Per noi palermitani è anche sinonimo di caos, chiasso, confusione, con ovvio riferimento al caratteristico schiamazzo del mercato. I venditori bandivano la merce con caratteristiche cantilene "abbanniate" (gridate), e ad essi si sommavano le voci dei tanti acquirenti che anche loro a gran voce contrattano il prezzo di acquisto della mercanzia, un continuo miscuglio di voci e cantilene che risuonava per tutto il mercato, fino ai vicoli circostanti. Oggi di tutto questo rimane ben poco. Pochi i commercianti, che ormai non abbanniano più, poche le merci esposte, scarso l'afflusso degli acquirenti, quasi estinto il vociare antico del mercato. Una Vucciria silenziosa, o meglio una Vucciria ormai spenta, stretta dal traffico urbano e dall’assenza cronica di parcheggi. Già dagli anni ’80 inizia il declino dello storico mercato, a causa dello spostamento della popolazione verso le zone di nuova espansione, il boom edilizio e il cronico abbandono del centro storico, insieme all’avvento della grande distribuzione. Restano ormai poche cose a testimonianza degli antichi fasti, due tra tutte: L’antica trattoria Casa del brodo, meglio conosciuta come U dutturi, ancora frequentatissima ma ormai rimodernata e purtroppo molto diversa da un tempo. E la trattoria Shanghai, altro locale storico con terrazza al primo piano, rimasto quasi immutato, dove ai tempi d’oro della Vucciria si poteva pranzare a prezzi modici, e godere la vista della sottostante piazza Caracciolo e del mercato. Infatti fu chiamata così, perché la vista della Vucciria, coi suoi tendaggi colorati, le merci esposte, e il formicolio di persone, che era godibile dalla terrazza del locale, richiamava l’atmosfera di un mercato della lontanissima Shanghai, come egregiamente raffigurato in un famoso dipinto del Guttuso. Il locale resta ancor oggi un posto caratteristico ed affascinante, ma lo spettacolo è finito, si sono spente ormai le luci, sulla ribalta della Vucciria. Voglio ricordare Uwe Jantsh, artista Austriaco che ha recentemente esposto ad una mostra collaterale alla biennale di Venezia, e che alla Vucciria ha vissuto per quasi 10 anni, e ha regalato agli amatori del genere un’installazione molto particolare, creata con materiali di risulta raccattati personalmente per le strade del quartiere. Quale sarà il futuro della Vucciria?
The Vucciria is the town market best known of Palermo. Perhaps not everbody knows that the name derives from boucherie, French term which means place of meat slaughter and market. The core market is Piazza Caracciolo, where in Angevin period (short French domination in the twelfth century), was born the Bocceria, the market for slaughter and sale of meat of the city. After, by an expansion to the surrounding streets in 1454, it became, not only place of slaughter, but area of sale of various foods. Over the time, the name was first transformed into Bucceria and finally into Vucciria. In the language of Palermo it is also synonymous of chaos, noise, confusion, with obvious reference to the characteristic crowds of the market: Sellers banned goods with screaming characteristics melodies, and the many buyers contract the purchase price of merchandise, a continuous mix of voices and melodies, that echoed throughout the market, to the surrounding streets.
Very little remains today of all that. A few merchants no more screaming, little merchandise on display, low numbers of buyers, is almost shut down the voices of the ancient market. Silent and turned off is now the Vucciria. Since the'80s began the decline of the historic market, due to displacement of population to the new expansion areas, the housing boom and chronic neglect of the historical center, set to the advent of supermarkets. Now a few things remain to witness the ancient splendor, two of all: The old restaurant "House of the broth", better known as "The Doctor", still popular but now renovated and very different from the past. And the Shanghai restaurant, another historian local with a terrace on the first floor, which remained almost unchanged, where in the golden age of the Vucciria people could eat at reasonable prices, and enjoy the view of the underlying Caracciolo square and the market. In fact it was so named because the view of Vucciria, with its colored curtains, the goods exhibited, and the tingling of people, from the terrace of the restaurant, recalled the atmosphere of a market of Shanghai, as brilliantly portrayed in a famous painting of Guttuso. The restaurant is still distinctive and appealing, but the show is over, the lights on the forefront of Vucciria have now turned off. I want to remember Uwe Jantsh, Austrian artist who recently exhibited at the biennial exhibition in Venice, who lived at Vucciria for 10 years, and has created a very special work of art, picking up materials by himself, on the streets of the neighborhood. What will be the future of Vucciria?
Epopea e tramonto della discografia, di Alessandro Palacino
C'era una volta la Mousiké, la inventarono i Greci, in osmosi con poesia teatro danza e religione. Poi essi stessi compresero il valore intrinseco dell’arte musicale, e così i primi virtuosi ottennero uno spazio indipendente. In seguito la musica ha attraversato l'era di Roma, il medioevo, il rinascimento, l'era barocca e il Settecento, ma la verità è che non sappiamo assolutamente come fosse la musica degli antichi. Un bel danno! Solo dall'epoca del canto gregoriano in poi, iniziamo ad avere degli spartiti, comunque notati con sistemi molto lontani da quello attuale, e quindi abbiamo una vaga idea della combinazione di suoni pensata dal compositore, ma non sappiamo nulla delle prassi esecutive. Col passare dei secoli, il sistema di notazione si fa sempre più simile al nostro, ed insieme al patrimonio orale tramandato, ci permettono d’immaginare con sempre maggior precisione la musica di Lasso, Palestrina, Monteverdi, Carissimi, Victoria, fino a Bach, Scarlatti, Mozart, Vivaldi, Beethoven. Ma finché non esiste alcuna tecnica d registrazione sonora, le partiture sono mute, la musica è scritta e bisogna leggerla, ricostruirla. Poi la svolta: nel 1877 Thomas Edison inventa il fonografo, il primo apparecchio per registrare e riprodurre il suono, che usa un cilindro rotante come supporto. Circa dieci anni dopo, Berliner presenta il grammofono, che invece del cilindro usa un disco. Nasce la discografia! Una rivoluzione per la musica e per gli artisti, per il pubblico e per la cultura in generale, fin dall’inizio del Novecento. Finalmente la letteratura musicale non è solamente scritta, ma vibra nella sua vera essenza che è il suono registrato, processo per millenni negato alla cultura umana. Come per miracolo, la musica diventa disponibile in ogni casa senza esecutori in carne ed ossa: un disco nero, e un grammofono su cui farlo girare. Oggi quella qualità di riproduzione ci sembrerebbe improponibile, ma immaginiamo che stupore potesse suscitare per il pubblico dell’epoca, e soprattutto per gli appassionati. Nascono un nuovo mercato e una nuova industria, con tutto l'indotto economico che ne deriva. Da lì a pochi decenni, con i progressi dell’elettronica, gli impianti di riproduzione diventano sempre più potenti ed efficienti, fino ad arrivare alla concezione della stereofonia e dell'alta fedeltà, definita HI-FI, abbreviazione del termine inglese High Fidelity. Questo era il marchio che si guadagnavano, dopo severi test, impianti audio che dovevano rispettare precisi standard, nella capacità di riprodurre tutte le frequenze dello spettro sonoro udibile, con la massima precisione. Un impianto domestico era composto da: un giradischi (detto anche piatto), un amplificatore integrato (nei casi più avanzati scomposto in: pre-amplificatore, equalizzatore, e finale di potenza), un registratore a bobine magnetiche, ed una coppia di casse acustiche. Opzionali la cuffia e il sintonizzatore (ricevitore radio). Successivamente s’inserisce nella “catena HI-FI” il registratore a cassette, ultimo nato dall'ingegno dei progettisti, che rende i nastri magnetici economici e tascabili. I registratori servivano per riversare i dischi di vinile su nastro, in modo da riascoltare la musica dal nastro, evitando l’uso dei dischi che venivano conservati gelosamente, dato che il contatto in movimento tra il disco e la “puntina” (delicato trasduttore elettro-meccanico costosissimo), provocava un graduale consumo del solco in vinile e della puntina stessa, e inoltre i dischi erano molto suscettibili a graffi sporcizia e polvere. In effetti, anche il nastro magnetico tende a smagnetizzarsi col tempo e con l’uso, e quindi a perdere gradualmente le informazioni audio. Infatti, quando l’ascolto del nastro iniziava a perdere brillantezza e qualità, il nostro audiofilo registrava nuovamente il suo prezioso disco su nastro, e lo riponeva con cura nella sua copertina e nel suo scaffale, per farlo durare nel tempo. Effettivamente il disco in vinile costava tanto ed era molto delicato. La catena disco-puntina-amplificatore viene detta catena analogica. Negli ultimi stadi della sua evoluzione, esauritasi negli anni novanta, tra la perfezione sfiorata negli studi di registrazione e l’estrema qualità degl’impianti di riproduzione domestici, questa tecnologia aveva abituato i fruitori ad una qualità e ad una potenza pazzeschi. A quei tempi esistevano decine di case discografiche: Scoprivano gli artisti, li lanciavano, li promuovevano, e vendevano milioni di copie, sia dei piccoli “45 giri”, che contenevano un brano per lato, sia dei più grandi e col tempo più venduti “LP”, abbreviazione del termine inglese Long Playing, che giravano a 33 giri (al minuto), e che contenevano molti brani. Le copertine degli LP, viste le dimensioni, erano dei piccoli quadri che caratterizzavano l’opera, alcune furono dei capolavori d'arte, icone immancabili nelle teche degli appassionati. Le compagnie discografiche e gli artisti sotto contratto prosperavano, i negozi di dischi aprivano ovunque, e noi giovani appassionati di allora “vivevamo” dentro questi negozi, aspettando l'ultimo disco del nostro mito o gruppo preferito con impazienza. Dentro le nostre camerette non mancava il mobile HI-FI, e qualcuno insonorizzava le pareti per non disturbare i vicini. Poi, alla fine degli anni ottanta, con l'avvento del digitale, nasce il CD, abbreviazione del termine inglese Compact Disc, e il lettore CD si aggiunge all'impianto stereo. Vantaggi: piccolo, pratico, compatto, maneggevole, resistente, ma soprattutto: non si logora con la lettura perché non c’è alcun contatto meccanico tra il disco e la testina di lettura. Da subito i walk-man (portatili) adottano il CD come supporto, soppiantando la cassetta magnetica, e presto il lettore CD inizia ad essere installato nelle automobili. Esplode la CD-mania, ... il glorioso disco di vinile va in pensione! Svantaggi: apparentemente nessuno, ma gli audiofili più puristi sostengono che la definizione del suono su CD, rispetto al vinile, sia più fredda, bassi meno definiti, fiati e piatti meno squillanti, … insomma manca qualcosa. Forse per molti sarà solo nostalgia del vinile, ma qualcosa di vero c'è: il procedimento di registrazione digitale, non raccoglie integralmente la vibrazione del suono, come invece avviene attraverso i solchi analogici che essa stessa genera sulla superficie del vinile. Il CD è un archivio di dati digitali, cioè numeri, che descrivono la vibrazione. Questo procedimento di elaborazione, detto campionamento, fa saltare dei dati, perché il numero di campionamenti al secondo non può essere infinito. E' un procedimento di sintesi, un riassunto, un impoverimento che non è invece presente nella tecnologia analogica del vinile. E' ben camuffato, ma orecchie esperte sentono che qualcosa non è più come prima.
Ma ogni novità è ben accetta al mercato, quindi si producono e si vendono milioni di CD e relativi lettori, ... digitale è bello, digitale è fico! In realtà si prepara il baratro: Le compagnie discografiche sono andate ciecamente avanti sull’onda della novità tecnologica, trasferendo tutto il trasferibile su supporto digitale, e producendo i nuovi progetti musicali solo su CD. Parallelamente si evolve e si espande anche la tecnologia del PC, personal computer, che adotta il CD al posto dei floppy-disk, e diventa un lettore e registratore CD (masterizzatore) alla portata di tutti. La convergenza di queste tecnologie genera il fenomeno della masterizzazione e vendita abusiva. E così ad un certo punto, anche le vendite dei CD, dopo il tramonto del vinile, cominciano a flettersi: è il vero inizio della fine delle case discografiche. Dieci o dodici anni prima, qualcuno aveva detto alla Sony: “State attenti, il disco di vinile non è riproducibile, quando lo si riversa su nastro si perde sempre qualcosa. Il CD, invece, è un supporto perfettamente clonabile”. Quando le case discografiche si sono rese conto di queste nuove realtà, era già troppo tardi. Inoltre e soprattutto Internet, nato come rete militare e di connessione tra università e centri di ricerca, esplode come fenomeno di massa. La rete inizia ad avere la larghezza di banda per far passare sia audio che video, gli archivi di brani e video musicali digitalizzati vengono caricati sui potenti computer di rete, nascono i terminali del world wide web e il fenomeno del down-load selvaggio. Già dal vinile analogico al CD digitale, riscontriamo una perdita di qualità, ma adesso, con la diffusione su Internet del formato MP3, il file digitale originale viene ulteriormente compresso per essere più “leggero” (scaricamento più veloce, e minore spazio occupato sui piccoli supporti come pen-drive, cellulari e lettori MP3), ma tutto ciò a discapito della qualità dell'ascolto. Se col vinile si poteva percepire anche lo sfregamento del crine di un archetto sulle corde di un violoncello, l'attacco del respiro di un vocalist, lo sfregamento delle corde di un chitarrista, il feltro di un battente sulla pelle di un timpano, … tutte le emozioni di un concerto dal vivo, oggi si comprime, si taglia, si cancella, si riassume la musica. E' la stessa differenza che c’è tra un buon minestrone biologico fresco, con tutte le sue qualità organolettiche, ed una busta di minestrone surgelato che si acquista al supermercato. Con la tecnologia digitale clonabile e con la musica gratis sul web, si è decretata la fine delle grandi medie e piccole etichette. Chiusura delle case discografiche, chiusura dei negozi di dischi, e un sostanziale impoverimento della produzione e della qualità di ascolto. Certo, non staremo qui a magnificare le grandi major discografiche, che si sono arricchite a dismisura alle spalle del pubblico e degli stessi artisti. Del loro ruolo se ne può discutere, ma la loro scomparsa, per la musica, per gli artisti e per il pubblico, ha significato "buttare via il bambino con l'acqua sporca". E’ morto un sistema che, per quasi un secolo, aveva garantito un grande miglioramento nella qualità tecnica, ed aveva finanziato gli artisti, la produzione, e la divulgazione del prodotto musicale. Ormai, i CD originali in commercio li troviamo sempre di più emarginati in qualche angoletto di libreria o in qualche bancone di ipermercato, spesso in offerta a prezzi stracciati, e sempre più rare sono le nuove produzioni. L'anno scorso ha chiuso l'intera catena internazionale dei mitici negozi Virgin mega store. Tutti ormai ascoltano la musica in formato MP3, rigorosamente scaricata dal web, con apparecchietti di scarsa qualità acustica, ultima spiaggia di una tecnologia che ormai vuole solo vendere, ma senza qualità. Che la musica dovesse costare meno, siamo tutti d'accordo, ma scavalcare a piè pari il concetto di “diritto d’autore“, e la stessa qualità di ascolto della musica, è stato un delitto, un sabotaggio: ai musicisti, per il loro prodotto dell'ingegno, ai produttori, per lo sforzo economico che registrare della buona musica comporta, ma soprattutto al pubblico, che sembra non accorgersi di una produzione musicale sempre più asfittica, e di una qualità d’ascolto pessima. Stiamo vivendo un’epoca di profonda crisi regressiva della musica e della sua cultura.
Epic and sunset of the discography.
There was originally the Mousiké, invented by the Greeks, in osmosis with theater dance poetry and religion. Then they understood the intrinsic value of the music, and so the first virtuous got an independent space. Following, the music has gone through the era of Rome, the Middle Ages, the Renaissance, the Baroque and the eighteenth century, but the truth is that we have no idea how it was the music of ancient. A nice damage! Only since the Gregorian chant, we start to have some musical scores, however noted with systems very far from the present one, and so we have a vague idea of the combination of sounds designed by the composer, but we know nothing about the executive practice. Over the centuries, the system of notation is becoming more similar to ours, and together with the oral heritage passed, allow us to imagine more clearly the music of Lasso, Palestrina, Monteverdi, Carissimi, Victoria, to Bach, Scarlatti, Mozart, Vivaldi, Beethoven. But, as long as there is no technique of sound recording, the scores are mute, the music is written and you read it, and rebuild it. Then the turning point: in 1877 Thomas Edison invents the phonograph, the first device to record and reproduce the sound, which uses a rotating cylinder as a support. About ten years later, with the gramophone of Berliner, which uses a disk instead of of the cylinder, born the discography ! A revolution for music and artists, for the public and the culture in general, from the beginning of the twentieth century. Finally the musical literature is not only written, but vibrates in his true essence which is the recorded sound, a process by millennia denied to the human culture. As for miracles, the music becomes available in every home without performers: a black disc, and a gramophone on which to make it run. Today, that quality of reproduction would seem not acceptable, but imagine what wonder could inspire at the time, and especially for fans. It born a new market and a new industry, with all the induced economic results. In a few decades, with progress of electronics, sound installations become more powerful and efficient, up to the concept of stereo and high fidelity (hi-fi) . This was the brand, earned after rigorous testing, by the sound systems having the ability to reproduce all frequencies of the audible spectrum, with the utmost precision. A domestic installation consisted of: a turntable (also called a flat), an integrated amplifier (in more advanced cases composed by: pre-amplifier, equalizer, and final power output), a magnetic coils recording, and a pair of speaker. Optional the headphones and the tuner (receiver). Last the tape recorder, which makes magnetic coils economic and pocket size. The recorders were used to recopy the discs of vinyl on the tape, in order to listen the music from tape, avoiding the use of the discs which were jealously kept. The moving contact between the disc and the "pin" (sensitive mechanical-electronic transducer, very expensive), caused a gradual consumption of the vinyl groove and of the pin itself, and the discs were also very susceptible to scratches, dirt and dust. In fact, the tape tends to demagnetization, over time and use, and then gradually lose audio information. Indeed, when listening the tape began to lose luster and quality, our audiofile again recopy his valuable disk on tape, and carefully puts it in its cover. Indeed, the vinyl would cost so much and was very delicate. The chain pin-disk-amplifier is said analog chain. In the last time of his evolution, between the almost perfection in the recording studios, and the extreme home reproduction quality, it gave to the users an extraordinary quality and power. Record labels discovered artists, advertised them, and sold millions of copies, both the small "45 rounds", which contained a song on each side, and the largest and most sold LP , short for the English term Long Playing, running at 33 revolutions (per minute), and which contained many songs. The covers of the LP were masterpieces of art that characterized the work, inevitable icons in the showcase of fans. Record companies and artists under contract flourish, discs shops opened everywhere, and we young music lovers "lived" inside these stores, waiting for the last disk of our favorite myth. Inside our rooms was not missing the HI-FI mobile, and some one soundproof walls so as not to disturb the neighborhood. At the end of the years eighties, with the advent of the digital technology, the CD was born, abbreviation of the English term Compact Disc, and CD player was added to the hi fi sistem. Advantages: small, practical, compact, manageable, durable, but above all: it is not consumed by reading, because there is no mechanical contact between the disc and the reading head. Immediately walk-man (portable) adopt the CD as support, replacing the magnetic tape, and soon the CD player starts to be installed in cars. The CD-mania explodes, ... the glorious vinyl disc retires! Disadvantages: apparently not one, but purist audiophiles argue that the definition of the sound on CD, compared to vinyl, it is colder: less defined bass, less ringing brass and plates, ... in short there is something missing. Perhaps for many people it will be just nostalgia of vinyl, but there is real something: the process of digital recording, does not collect the full vibration of the sound, as it is by the analogic furrows which the sound itself generates on the surface of the vinyl. The CD is an archive of digital data, numbers, which describe the vibration. This process, known as sampling, it loses some data, because the number of samples per second can not be infinite. It is a method of synthesis, a summary, an impoverishment that is not present in the analogue technology of vinyl. It is well camouflaged, but expert ears feel that something is not the same as before. But any news is welcome to the market, then it produce and sell millions of CDs and their readers, ... Digital is good, digital is cool! In fact the abyss prepares: Blindly the companies have gone ahead in the wake of technological innovations, shifting on digital media all the transferable, and producing new music projects on CD only. Parallel evolves and expands the technology of the PC, personal computer, which adopt the CD instead of floppy-disk, and becomes a CD player and recorder (burner) easily accessible to everyone. The convergence of these technologies creates the phenomenon of the wild downloading and abusive selling of CD. And so even the sales of CDs, after the decline of vinyl, are beginning to flex: is the true beginning of the end of the record companies. Ten or twelve years earlier, someone said to Sony: "Be careful, the vinyl disc is not reproducible, when recopied on a tape you lose something. The CD however is a perfectly clonable. When the record companies have realized these new realities, it was already too late. Furthermore and especially Internet, that originally was a military network and connection between universities and research centers, explodes as a mass phenomenon. The network begin to have the bandwidth to pass both audio and video files. Songs and music videos are uploaded on powerful network computers: the terminals of the world wide web born, and the phenomenon of wild down-load spreads. Since the analogic vinyl to the digital CD, we find a loss of quality, but now, with the spread of the MP3 format by Internet, the original digital file is further compressed to be more "light" (faster download, and less space on the small media such as pen-drive, mobile phones and MP3 players), but everything at the expense of the quality of listening. If by vinyl you could also feel the friction of the hair of a bow on the strings of a cello, the attack of breath of a vocalist, the rubbing of the strings of a guitar, the felt of a leaf on the skin of a gable, ... all the emotions of a live concert, now MP3 compress, cuts, erases, it sums up the music. As the difference between a good fresh organic soup, with all its qualities, and a bag of frozen soup that you buy at the supermarket. The clonable digital CD technology, and the music for free on the web, has decreed the end of large medium and small labels. Closure of the record companies, closure of the records stores, and a substantial reduction of the production and in quality of listening. Of course, we are not here to glorify the great major labels, which enriched at the expense of the public and of the artists themselves. Their role can be discussed, but their disappearance for the music, for the artists and the public, meant "throw out the baby with the bathwater". It died a system that for nearly a century had provided a great improvement in technical quality, and had financed the artists, the production, and dissemination of musical product. Now original CD on the market we find them more and more marginalized in some library or some hypermarket, often offered at bargain prices, and increasingly rare are new productions. Last year closed the entire mythical chain of international stores Virgin mega store. Now everybody hears the music in MP3 format, strictly downloaded from the web, by poor acoustics quality audio equipment, last resort of a technology which wants only to sell, but not quality. That music should cost less, we all agree, but bypassing the concept of "copyright", and acoustics quality of listening, was a crime, a sabotage: to the musicians, for their artistic invention product, to the producers for the economic effort that recording of good music means, but especially to the public, which seems not to notice the more and more asphyxiated production, and poor quality of listening. We are experiencing a time of deep regressive crisis of the music and his culture.
Davide SUSA: é un fotografo, libero professionista di Viterbo, specializzato in “fotografia musicale”. Vedo che il nostro Dodo Veneziano arriccia il naso, sentendo una tale definizione, perché la fotografia é fotografia e basta. Ma Davide lo sa, infatti la sua é fotografia e basta, solo che lui collabora con le più importanti riviste italiane nel settore della musica jazz, stampate e on-line (Jazz It, Jazz Magazine, Jazz Colours, ONSTAGE, All About Jazz Italia, e Jazzitalia), oltre che con agenzie fotografiche estere, e per arrivare a questi risultati ha studiato per anni con grandi maestri, ed ha imparato l’arte e la tecnica, che gli permettono d’impressionare sulla carta stampata anche l’emozione della sonorità. Quindi questa definizione, sia pure non ortodossa, significa che questo fotografo ha sviluppato una particolare sensibilità nel campo dell’evento musicale. Oltre alle varie mostre, a cui ha partecipato negli ultimi anni, nel maggio scorso è stato docente per il workshop Graffiti Jazz, presso la scuola permanente di fotografia Graffiti, con sede a Roma. Proprio pochi giorni fa, si é concluso il workshop da lui tenuto, ed organizzato in collaborazione con Tuscia in jazz, sul tema della fotografia in eventi musicali. Si dice che lavorare facendo ciò che piace, sia una delle fortune più grandi, sia per il benessere che ne deriva, sia per i risultati che si raggiungono, e a giudicare da questo portfolio, si vede che a Davide piace molto, sia la musica sia la fotografia. Con 8 scatti in bianco nero, molto comunicativi e carichi di energia, ci racconta di chi racconta, ci descrive elegantemente l’emozione dei musicisti, che esprimono emozioni attraverso i loro strumenti, e ci fa sentire, anche nel silenzio di un’immagine, ritmi suoni e atmosfere musicali. Uno scambio di energia, tra il musicista il fotografo e l’osservatore, che passa attraverso l’arte dello scatto. Quello scatto che trascende l’attimo e raffigura l’essenza durevole, che eleva la fotografia da mezzo di riproduzione a mezzo di comunicazione.
Piazza Kalsa Flamenka, di Luciano Vicari e Rossella Messina
Piazza Kalsa corrisponde al cuore dell’antico insediamento arabo, Anche se non conserva nessun edificio di quell’epoca, custodisce la magia di una storia più recente. Si apre al mare attraverso la cinquecentesca Porta dei Greci, chiamata anche Porta d’Africa, sulle antiche mura di cinta, e deve il suo prestigio alla Chiesa di Santa Teresa, ultimata nel 1706, la cui ammirevole facciata, in pietra arenaria recentemente restaurata, è una delle più alte manifestazioni dell’arte barocca in Sicilia. Nelle calde serate estive, da un paio d’anni, questa piazza diventa teatro di uno speciale appuntamento artistico. Ogni settimana vi si ritrovano gli appassionati del flamenco, gli artisti s’incontrano e danno vita ad esibizioni estemporanee, e il pubblico si gode lo spettacolo e la gastronomia locale sempre appetitosa. Promotori ed ospiti d’onore la Compagnia di flamenco Guadalmedina, composta da: Deborah Idealia Brancato e Giulia Compagno ballerine e coreografe, Marcello Savona cantante chitarrista e flautista, e Luca Fasoni chitarrista. “Per noi l'atmosfera che si crea in questa piazza è meravigliosa, ci ritroviamo qui per una suonata libera alla maniera dei gitani”. Così ci spiega Luca il chitarrista del gruppo, ed effettivamente lo spettacolo è suggestivo. La compagnia Guadalmedina nasce all’interno dell‘Associazione Culturale Coral Arte Flamenco, che opera a Palermo dal 2003 e organizza corsi e attività didattiche. Durante la serata incontriamo tra il pubblico un’artista, anche lei speciale, Rossella Messina vocalist del prestigioso ensemble palermitano Bethsheba. Abbiamo raccolto per voi il suo prezioso commento.
Serata interessante … In genere cammino raramente per le strade di Palermo, perché ho sempre voglia di altro, di nuovo, di emozionante, di strabiliante. Forse sono troppo esigente, o forse sono stanca dei soliti spettacoli, di artisti che offrono ciò che possono, ma non riescono a smuovere qualcosa dentro l’anima, a toccare le corde del cuore. Un po’ per caso, mi sono ritrovata in questa piazza che evoca atmosfere decadenti e pittoresche, e mi sono imbattuta in questo spettacolo di flamenco, chitarre, voci e danze, offerto dagli artisti con passione, sorriso, ed entusiasmo. Questo è quello che desidero: la palpitazione del cuore, nel vedere e sentire artisti che si “danno” ai propri spettatori con maestria, professionalità e passione. La piazza è palcoscenico e allo stesso tempo accogliente platea, con colori e odori di un’antica Palermo che c’è, che esiste ancora da qualche parte, la Palermo dell’ospitalità, della convivialità, che gode nell’offrire al pubblico le sue antiche specialità. Oltre al fascino del flamenco, ho gustato degli ottimi panini rustici con carne e con verdure. Torno a casa rinfrancata e soddisfatta.
Kalsa square corresponds to the heart of the ancient Arab city. Although there are not more buildings of that time, it keeps the magic of a more recent history. Opens to the sea through the Door of the Greeks on the ancient city walls, it owes its prestige to the Church of Santa Teresa, completed in 1706, whose admirable sandstone facade recently restored, is one of the highest manifestations of the Baroque Art in Sicily. On warm summer evenings, this square becomes theater of a special art exhibition. Each week they gather fans of flamenco, the artists come together and give birth to impromptu performances, and the audience enjoys the show and the local appetizing cuisine. Protagonists are the company of flamenco Guadalmedina, consisting of: Deborah Idealia Brancato and Giulia Compagno dancers and choreographers, Marcello Savona singer guitarist and flautist, and Luca Fasoni guitarist. “For us the atmosphere of this square is wonderful, we are gathered here for a free show in the way of the Gypsies”. So Luca tells us, the guitarist of the group, and the show is really impressive. The Guadalmedina company was founded into Coral Flamenco Art Cultural Association, which operates in Palermo since 2003 and organizes courses and teaching activities. During the evening we have met in the audience an artist very special too: Rossella Messina, vocalist of the prestigious ensemble Bethsheba. We have collected his valuable comments for you: Interesting evening ... Generally I rarely walk in the streets of Palermo, because I always feel like some thing of other, of new, of exciting, of amazing. Perhaps I'm too demanding, or maybe I'm tired of the usual performances of artists who offer what they can, but fail to make stir something within the soul, to touch the strings of the heart. Somewhat coincidentally I found myself in this square, that evokes decadent and picturesque atmosphere, and I came across this flamenco show, guitars, voices and dances, offered by the artists with passion, smile, and enthusiasm. This is what I want: the palpitation of the heart, to see and hear artists who give themselves to their audience with skill, professionalism and passion. The square is the stage and at the same time welcoming the audience, with colors and scents of the old Palermo, which still exists somewhere, the Palermo of the hospitality, of the conviviality, which boasts of offering to the public its ancient specialty. Besides the charm of flamenco, I have tasted some good rustic bread with meat and vegetables. I come back home happy and satisfied.
Presentazione portfolio, di Luciano e Flavio Vicari
Ivan Luminaria ha familiarizzato con la fotografia fin dall’infanzia, attraverso l’esempio del padre, il quale ha sempre usato la fotocamera per documentare gli eventi familiari. Lui stesso ne ha seguito le orme nei suoi numerosi viaggi, per raccogliere testimonianza di luoghi e culture. Ha 33 anni, lavora nel campo dell’informatica e vive a Roma, dov’è nato. Da due anni ha iniziato ad approfondire la sua formazione fotografica, attraverso corsi presso istituti qualificati e work-shop. Occasionalmente si è cimentato in reportage matrimoniali e di eventi culturali, ma la sua principale passione è il ritratto, e in particolare il nudo. “Ricordo di aver letto su un libro, che in America qualcuno chiese ad un pellerossa il motivo per cui vivesse mezzo nudo, e l’indiano rispose: Tu tieni il viso scoperto, tutto il mio corpo è viso!” Con queste sue parole, riassume egregiamente la filosofia con cui si accosta alla materia. Dal momento in cui la fotografia diviene istantanea, cioè dai suoi albori, il soggetto umano viene posto al centro della produzione d’immagini, e il nudo femminile, anche se dapprima soffocato da pregiudizi moralistici, eletto come ricerca favorita, espressione della bellezza allo stato puro, trasfigurando spesso il soggetto da erotico o carnale ad astratto. La produzione amatoriale in bianco e nero di Ivan Luminaria, sperimenta ancora lo studio delle forme femminili. Gli attraenti tagli fotografici superano di certo la tecnica, e nonostante certe pecche digitali, di cui ha parlato Anna Fici nell’Editoriale del numero precedente, alcuni scatti riescono a suscitare interesse e a ricordare celebri capolavori del genere, ai quali forse l’autore si è ispirato.
Ivan Luminaria has become familiar with photography since childhood, through the example of his father, who has always used the camera to document family events. He himself has followed that example in his numerous trips, to gather testimonials of places and cultures. He is 33 years old, he works in the computer technology and lives in Rome, where he was born. From two years he began to deepen his photographic training, through courses at qualified institutions and workshops. Occasionally he has experimented in reportage of weddings and cultural events, but his main passion is the portrait, and particularly the nude. “I remember reading in a book, that in America someone asked to an Indian why he lived half naked, and the Indian said: You keep your face uncovered, my whole body is my face!”. With these words, he sums up very well the philosophy with which he approaches to the matter. From the moment when the photography becomes instantaneous, ie from the beginning, the human subject is placed at the center of the production of images, and the female nude, although initially stifled by moralistic prejudices, elected as a favored research, expression of pure beauty, often transfiguring the subject from erotic or sensual to abstract. The black and white amateur production of Ivan Luminaria it experiences again the study of female shapes. His attractive photographic cuts exceed the technique, and despite some digital flaws, which Anna Fici has mentioned in the Editoriale of the previous issue, some clicks they can generate interest, and they recall famous masterpieces of the genre, to which perhaps the author has inspired. www.flickr.com/people/ivanluminaria
Lettura portfolio, di Giancarlo Marcocchi
Questo mese presentiamo un autore nato autodidatta, come molti di noi. Ivan presenta una tematica accattivante ma non facile: il nudo. Non è facile per tanti motivi, tra i quali: si rischia di scadere nel volgare, oppure di vedere immagini uguali o simili a tante altre di autori più o meno famosi. Diciamo intanto che nella globalità delle fotografie è riuscito a mantenere ciò che più importa in un portfolio: la coerenza. Ivan è riuscito a farci vedere un corpo femminile nudo cogliendo l'essenzialità delle forme, e giocando con le ombre fin quasi a trasformare le forme della modella in un semi-astrattismo formale. Una caratteristica di queste opere, che non riesco ad apprezzare molto, è la “plasticosità” della pelle, non è un vero flou (effetto nebbia), ma questa è solo una questione di gusto. Alcune immagini hanno colto nel segno perché emozionano, altre si sono un poco perse. Normalmente, in un portfolio ben composto, non si dovrebbero valutare le singole immagini, ma prendere in considerazione la globalità del lavoro. In questo caso, voglio invece sottolineare le caratteristiche di ogni scatto, perché varie immagini, se meglio interpretate, avrebbero potuto costituire un portfolio più meritevole. Il fotogramma n°1 è di buona qualità, sia come composizione sia come gioco di luce. Il fotogramma n°2 è anch'esso ben composto, puntando sulla scarsità di campo e quindi evidenziando il seno. Il fotogramma n°3 non mi appassiona particolarmente: i bianchi dei piedi tendono a fondersi fra loro, e l'alluce alzato tradisce l'eleganza che si nota nelle altre immagini. Il fotogramma n°4 è senza dubbio ben realizzato come composizione, infatti ricorda altre immagini di autori famosi (si sa: in fotografia non c'è quasi più nulla da inventare), ma la plasticosità della pelle è eccessiva. Il fotogramma n°5 è anch'esso esageratamente plastico, ed ha un ulteriore difetto: si vede parzialmente il braccio destro dissociato dal corpo a causa delle ombre, ed anche il gomito è brutto. Il fotogramma n°6 ha un'ottima composizione, ma l'eccessivo flou lo rende troppo piatto, senza contare gli “anelli di Newton” che si notano sulla coscia. Il fotogramma n°7 è anch'esso buono come composizione, ma qui la mano della modella non ha subito l'effetto flou e nel contesto del portfolio è un difetto, perché solo in questa immagine si ha un particolare perfettamente contrastato, quindi non coerente con le altre. Il fotogramma n°8 è completamente piatto, la forma del corpo non ha alcuna rotondità, in più non è ben a fuoco oppure ha subito un effetto flou esagerato. Conclusione: anche se i singoli scatti sono di qualità apprezzabile, e alcuni anche buoni, il portfolio in quanto tale è nell’insieme mediocre, sarebbe potuto essere senza dubbio migliore. Un’ultima critica: un vero fotografo deve compiere la sua opera creativa allo scatto, e lasciare i giochi di Photoshop ai grafici.
This month we present a self-taught author, like many of us. Ivan presents a catchy theme, but not easy: the nude. It is not easy for many reasons, including the risk of falling into the vernacular, or to see images same or similar to other authors more or less famous. Meanwhile, we say that in the totality of the frames he was able to keep what is most important in a portfolio: consistency. Ivan was able to show us a naked female body grasping the essence of shapes, and playing with the shadows almost to transform the shapes of the model in a semi-abstract formalism. A feature of these works, which I can not appreciate a lot, is the " plasticized skin effect ", is not really a soft-focus (fog effect), but this is only a matter of taste. Some images have hit the mark because are exciting, others are a little lost. Normally, in a well made portfolio, we should consider not the individual images, but the totality of the work. In this case, I want to emphasize the characteristics of each shot, because it could be a portfolio more fine if several images was better performed. The frame N°1 is of good quality, both in composition and play of light. The frame N°2 is also well composed, with little depth of field to highlight the breast. The frame N°3 I'm not particularly passionate about: the white of the feet are melted together, and the raised finger toe betrays the elegance of the other images. The frame N°4 is certainly well realized as composition, it recalls other images of famous authors (you know: in photography there is almost nothing left to invent), but the plasticized skin effect is excessive. The frame N°5 is also overly plastic, and has another flaw: we can partially see the right arm dissociated from the body because of the shadows, and even the elbow is ugly. The frame N°6 has a good composition, but the excessive soft-focus makes it too flat, and "Newton's rings" are present on the thigh. The frame N°7 is also good in composition, but here the hand of the model have not been soft-focus effect and in the context of the portfolio is a fault, because only in this picture there is a particular perfect contrast, and not consistent with other images. The frame N°8 is completely flat, the shape of the body has no roundness, and more is not well focused or has suffered a soft-focus effect exaggerated. Conclusion: Although the quality of individual shots is appreciable, and in some cases even good, the portfolio as a whole is mediocre, could certainly be better. One last criticism: a photographer have to make his creative work in the shot, and leave the Photoshop games, at graphic operators.
In arte Pietro Massaro, di Serena Lao
Incontrai Pietro per la prima volta una sera, assistendo ad una rappresentazione teatrale. A quei tempi faceva l’attor giovane, ma mi colpì per la professionalità e la padronanza scenica con cui affrontava il pubblico. Da allora sono trascorsi circa vent’anni, e Pietro è considerato, dalla critica e dagli addetti ai lavori, un brillante attore in costante ascesa. Eclettico e versatile, calca le tavole del palcoscenico misurandosi con ogni genere teatrale e ricoprendo innumerevoli ruoli. La sua carriera è costellata di collaborazioni importanti: è stato diretto, fra gli altri, da Gino Landi, Gianfranco Albano, Walter Manfrè, Fabrizio Lupo, ed è stato al fianco di attori quali Arnoldo Foà, Duilio Del Prete, Lunetta Savino, Mario Valdemarin. Inoltre da qualche anno lavora in una comunità terapeutica e cura progetti di teatro sociale. Interessante ed originale è stato il lavoro che ha presentato a Palazzo Bonagia in occasione del 384° Festino di Santa Rosalia, che ha visto in scena un gruppo di disabili mentali diretti da lui, nel progetto “Palermo ti amo”. Quello che mi colpisce maggiormente è la sua straordinaria capacità di metamorfosi, la naturalezza con cui riesce a calarsi dentro i personaggi che interpreta. La sua faccia si trasforma in una maschera, la sua voce assume di volta in volta toni profondi, vibranti, drammatici, esilaranti. Poi, finita la rappresentazione, ritorna ad occuparsi delle sue piante che cura con infinito amore, il suo terrazzo è un piccolo giardino pensile. Pietro non ama la vita mondana, preferisce ricevere nella sua abitazione gli amici più cari, a cui riserva sempre un trattamento speciale. Stando seduti a conversare, gustando uno dei ghiotti manicaretti che generosamente prepara ai suoi ospiti, mentre le stelle illuminano quell’angolo di mondo intriso di odore di gelsomino, sembra di stare sospesi tra cielo e terra.
One evening I met Peter for the first time, witnessing to one his theatrical performance. At that time he was young, but I was struck by his professionalism and mastery. Since then they have spent nearly twenty years, and Peter is regarded by critics as a growing brilliant actor, eclectic and versatile in covering many roles. His career is full of important collaborations: was directed by Gino Landi, Gianfranco Albano, Walter Manfrè, Fabrizio Lupo, and was alongside to actors such as Arnoldo Foà, Duilio Del Prete, Lunetta Savino, Mario Valdemarin. In the last years he is working in a therapeutic community, caring projects of social theater. Interesting and original the work presented at the 384° Festival of Santa Rosalia, which has seen in scene a group of mentally disabled, by him directed in the draft "Palermo I love you”. What strikes me most, is his extraordinary capacity of metamorphosis, the naturalness with which he dive into the characters he plays. His face becomes a mask, his voice becomes deep, vibrant, dramatic, exhilarating. Then, after the performance, he returns to take care of his plants with infinite love, his terrace is a small garden. Peter does not like the worldly life, he prefers to receive in his home close friends, which reserves a special treatment. Enjoying one of the greedy delicacies who generously prepares to his guests, and talking with him, in his terrace scented of jasmine, is like being suspended between heaven and earth.
Il lungo il corto e il pacioccone, Illustrazione di Roberto Castagna
Umberto Bossi, Roberto Maroni, Roberto Calderoli.
Marcel Proust (1871 – 1922), romanziere, saggista e critico
“Il vero viaggio di scoperta non consiste nel cercare nuove terre, ma nell'avere nuovi occhi”.
The real voyage of discovery consists not in seeking new lands, but in having new eyes.
Workshop fotografico NATE DAL FUOCO alle Isole Eolie
Dal 17 al 20 settembre 2009 nel meraviglioso contesto naturale, insieme al fotografo Sandro Santioli - Associazione LOGICA.
From 17 to 20 September 2009, in the wonderful natural context with the photographer Sandro Santioli, by Association LOGICA.
Info: Nino Lombardo - info@ninolombardo.com - 0039-340-4735350
Concorso fotografico UN MARE DI SCATTI 2009
Il tema è il mare, e può essere interpretato dando risalto ai luoghi, alla gente, agli eventi, alle tradizioni, senza escludere il mondo marino. Scadenza: 18 settembre 2009.
The theme is the sea, it can be interpreted with emphasis on places, people, events, traditions, without excluding the marine world. Deadline: September 18, 2009.
Info e regolamento: www.bludigitale.it
Castello a Mare, Palermo - Porto d'Arte prima edizione
Fino al 13 settembre: musica e teatro al Castello a Mare di Palermo, via F. Crispi, ingresso da via Patti. Organizzatori: Terzo Millennio e Teatro Biondo. INGRESSO LIBERO.
Until 13 September: music and theater at the Castle at Sea of Palermo, via F. Crispi, entrance from via Patti. Organizers: Third Millennium and Teatro Biondo. FOR FREE.
Appuntamenti Appointments: - 6 sett. concerto del Giuseppe Milici Quintet - 10 sett. Trio di Roma in concerto con Danilo Rea, Enzo Pietropaoli e Roberto Gatto - 11 sett. il Teatro Biondo presenta La terra desolata - Una Suite con Claudio Collovà - 12 sett. Antonello Salis & Antonio Jasevoli Duo in concerto, tra jazz e improvvisazione - 13 sett. chiude Una festa per il teatro, a cura del Teatro Biondo.
Galleria IMAGO Domenica 13 settembre ore 10.00
Daniela Sidari, insegnante di fotografia DAC della FIAF presso l'Università di Reggio Calabria, illustrerà la personalità di Gabriele Basilico e presenterà le sue opere mediante proiezione L'ingresso è libero
Sunday, September 13th 10:00 am, Daniela Sidari DAC FIAF photography teacher at the University of Reggio Calabria, will illustrate the personality of Gabriele Basilico and present its work by projection. Admission is free.
POLARIS PHOTO CONTEST
Fra i premi in palio: un soggiorno in Africa per due, un volo intercontinentale per due, un workshop fotografico Nikon School con Edoardo Agresti, un corpo macchina Nikon D90, e molto altro. Partecipare è semplice: basta collegarsi al sito, registrarsi e inviare entro il 30 settembre 2009, sempre via internet, quattro immagini al massimo per ciascuna categoria.
Among the prizes: a trip to Africa for two, an international flight for two, a photographic workshop Nikon School with Edoardo Agresti, a Nikon D90 camera body, and much more. Participating is easy: just connect to the site, register and submit by September 30, 2009, again via the Internet, up to four images for each category www.polarisphotocontest.it
Fotografie d’epoca: Giuseppe Incorpora nel suo studio con A. Lumière. Vedute del bombardamento di Palermo nel 1943. Ritratto di Marcel Proust.
Arrivederci al 5 ottobre Goodbye to October 5
Aspettiamo come sempre le vostre opere per la galleria fotografica collettiva, da inviare entro i prossimi 15 giorni seguendo le istruzioni della GUIDA PRATICA.
As always we wait your works for the collective photo gallery, to be sent within the next 15 days,
following the instructions of the USER’S GUIDE.
Pot Creativo, Pot Déjàvu, Recherche, Pot Porte Doors, Pot Lomo, Potfolio
Ogni mese:
La galleria fotografica collettiva dei nostri lettori
Un portfolio scelto e letto da Giancarlo Marcocchi
Un artista presentato da Serena Lao
Un evento a Palermo visitato dal prof. Mogol
Uno Speciale su arte cultura e società
E sempre nuove idee, in collaborazione con voi !
Monthly:
The collective global photo gallery of our readers
A portfolio chosen and read by Giancarlo Marcocchi
An artist presented by Serena Lao
An event in Palermo visited by prof. Mogol
A special article on art, culture and society
And always new ideas, in cooperation with you !
Prossimamente … la versione stampata
Coming soon ... the printed version
Autori pubblicati
Roberto Castagna, Fabio itri, Caroline Blacke, Felicia Raffaele, France Dubois, Luca Franchina, Hooktrapped, Guido Mazzoni, Karczoch, Kevin Desplanques, Szala's photos, Gediminas Dackys, zuzka.grujbarova@gmail.com, matildei@gmail.com, Espinandola - carolina@hotmail.com, Elvira Leone, Eleonora Di Mauro, Zaira La Ragione, Imperial Word Museum - IWM, Solarixx, Maya78, Davide Susa, Jimmy Hasplip, Tommaso Cappellato, Mathias Allamane, Giovanni Allevi, Fernando Roldàn, Jeno Ortiz, Yann Cesari - Loussouarn, Marco Nicastro, Pietro Massaro, Mauro Gulì, Luca Fasoni, Marcello savona, Deborah Idealia Brancato
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